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Mit besten Feiertags- und Neujahreswünschen,

Vanessa Schormann, Stefanie Watzka, Dieter Fuchs, Jens Mittelbach, Roland Petersohn

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Arbeitszeit: 2 Jahre

Veröffentlichungstermin: April 2012

Veröffentlichung in der Reihe CHAT (Chemnitzer Anglistik/Amerikanistik Today), WVT Trier

Kongruierte Theater in Deutschland über Jahrhunderte hinweg zumeist mit einer Vergegen­wärtigung von Rede und Tat durch das nachahmende Bühnenspiel, so stellen in der Folge insbesondere die Allgegenwart der Medien, die Entwicklung postmoderner Literatur- und Kulturtheorien sowie experimentelle Formen des Gegenwartstheaters seit den 1960er Jahren zweifellos tief greifende Einschnitte in der deutschen Theaterpraxis dar. Diese Prozesse blie­ben selbstverständlich nicht ohne Einfluss auf das deutsche Shakespeare-Theater und seine vielfältige Adaptions- und Überschreibungspraxis. Im steten Blick auf dieses bühnen­wirksame Experimentierfeld sollen daher im Zeitraum der beiden Nachwendedekaden Aspekte wie die Rückkehr zum Volkstheater, das Theater der Dekonstruktion, das pluri­mediale Theater, die Inszenierungen von Nicht-bzw. Pan-Textualität, das Kopftheater, das anti-mimetische Theater, nihilistische groteske Formen und nicht zuletzt das Regietheater ins Blickfeld gerückt werden, um die gravierenden Veränderungen innerhalb der palimpsest­artigen Shakespeare-Inszenierungen deutlich zu machen. Gleichzeitig soll vor dem zeitge­schichtlichen Hintergrund der Berliner Republik aber auch überprüft werden, ob die beispielsweise von Wilhelm Hortmann zu Beginn des 21. Jahrhunderts formulierte doppelte Diagnose eines Einbruchs der politischen Aktualität Shakespeares und eines Endes der emanzipatorischen Adaptationspraxis nach wie vor Geltung beanspruchen kann.

Schon jetzt lässt ein kursorischer Blick auf das gegenwärtige Shakespeare-Theater den Schluss zu, dass sich die Stücke den konventionellen ästhetischen Paradigmen und traditio­nellen Wahrnehmungsmustern deutlich zu widersetzen suchen, wobei in den entsprechenden Aufführungen u.a. mit dem Prinzip der Dissoziation gearbeitet wird. "Hamlet – ist tot", so lautet bezeichnenderweise der erste Satz in Klaus Schumachers Hamlet für das Junge Schau­spielhaus in Hamburg (Premiere 26.09.2009). Ein Satz, der die Richtung der gesamten In­szenierung vorgibt: Ist Shakespeares bekannteste Tragödie 'tot interpretiert', 'tot gespielt', 'tot rezensiert' worden? Häufig, so die nahe liegende Vermutung, steht die im postmodernen Zeit­alter des "anything goes" zunehmend anzutreffende Zerrissenheit individueller Erfahrungen und Wahrnehmungen im Mittelpunkt der Inszenierungen.

Verfügte das klassische Theater noch über das Konzept eines begrifflich Ganzen, so zeichnet sich im Gegensatz dazu das gegenwärtige Shakespeare-Theater durch Addition, Juxtaposition und eine radikalisierte Entäußerung und Verinnerlichung aus. Darüber hinaus verweist der zuletzt genannte Aspekt eine Tendenz zur Selbstreflexion und Selbstthematisierung auf, die unter den Schlagwörtern der Inter- und Multimedialität, der Polylingualität oder Heterorefe­renzialität zu verhandeln wäre.

Dieser Sammelband setzt an eben dieser Schnittstelle an, um zu eruieren, wie sich das Shakespeare-Theater in den zwei Jahrzehnten der Berliner Republik im Kontext des Auf­bruchs zu 'neuer' Formen- und Ausdrucksvielfalt sowie innovativen Überschreibungen an prominenten deutschen Bühnen positioniert und ob sich in dieser Konstellation dennoch eine innovative Renaissance der Politisierungstendenzen abzeichnet. Unter diesem Vorzeichen sollen Shakespeare-Aufführungen der Nachwendezeit für einige ausgewählte deutsche Theaterzentren (z.B. Berlin, Bochum, Bremen, Düsseldorf, Frankfurt, Hamburg, Köln, Leipzig, München, Stuttgart und Weimar) in den Fokus genommen werden, wobei durchaus daran gedacht ist, die Beiträge zur Theaterlandschaft durch kulturhistorische, soziologische und politische Aufsätze zu ergänzen.

Bitte schicken Sie Ihren Beitragsvorschlag (Arbeitstitel) bis zum 31.03.2010 an eine der fol­genden Adressen:

(Andreas Wilink, Nachtkritik)

„Warum nur Frauen? (…) Die Frage hat sich nach wenigen Minuten im Kölner Schauspielhaus sowieso erledigt. Es geht zumindest mit diesen Frauen ebenso gut, wie mit Männern oder rollengemäßen Geschlechtszuordnungen. Ach nein, es geht noch besser. Hier lenkt kein Geschlechterkampf ab vom Konflikt der Generationen und von der Schlacht, die jeder Einzelne mit seinem herannahenden Tod ausficht.“

(Christian Bos, Kölner Stadtanzeiger)

„Am Schauspiel Köln geht Karin Beier einen Schritt weiter. Shakespeares Tragödie hat sie durchweg mit Frauen besetzt, die, nur sechs insgesamt, elf Rollen übernehmen. Die Frage des Geschlechts tritt dabei hinter der tödlichen Logik der Gewalt zurück und erscheint ähnlich äußerlich wie Kostüm und Rolle. Dass es Frauen sind, die so viel Grausamkeit zulassen und ihr ausgesetzt werden, lässt diese fast noch verletzlicher, qualvoller, brutaler erscheinen. Sinnlos zeiht die Gewalt ihre blutige Bahn.“

(Andreas Rossmann, FAZ)

„Karin Beier, die Intendantin des Kölner Schauspiels, gilt als ausgewiesene Shakespeare-Expertin und widmet sich nun zum Saisonauftakt erstmals dessen Spätwerk „König Lear“. Es wurde ein beeindruckender Abend, disparat und verstörend, nervend und berührend (…) Nach diesen zweieinviertel Stunden verlässt man das Theater anders, als man es betreten hat.“

(Hans-Christoph Zimmermann, General-Anzeiger)

„Kühn und entschlossen treibt Beier Shakespeares Tragödie in die Groteske – die schärfste Form der Zuspitzung, denn die Groteske verweigert jedes Mitgefühl. Das Tragische tritt nackt zu Tage in seiner hässlichen Sinnlosigkeit. So gnadenlos hat man die Vernichtung eines Herrschergeschlechts noch nicht gesehen.“

(Dorothee Krings, Rheinische Post)

„Schwer und düster, mörderisch und feucht, geriet Karin Beiers Inszenierung von Shakespeares „König Lear“ am 26. September im Kölner Schauspielhaus zu einer Hommage an den vor wenigen Monaten verstorbenen Regisseur-Kollegen Jürgen Gosch.“

(Andreas Rehnholt, www.musenblätter.de)

“Man hört das hysterische Weinen eines (einer) kummervollen Alten, spürt Zorn, Frust, aber ohne Selbstmitleid. Dann im Wahn, die Nüsse mit entblöster Brust, albern, ein Rumpelstilzchen. Schließlich zittrig inmitten der rohen Welt, erschrocken, kindlich, bemitleidenswert. Altersdement kehrt Lear in die Embryohaltung zurück.“

(Vasco Boenisch, Süddeutsche Zeitung)

Bitte schicken Sie Ihr Manuskript in elektronischer Form bis zum 31. März 2010 an die Herausgeberin des Shakespeare Jahrbuches.

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Vanessa Schormann, Stefanie Watzka, Dieter Fuchs, Jens Mittelbach, Roland Petersohn

Thomas Schmidt studierte Sprach- und Wirtschaftswissenschaften. Seit 1991 arbeitet er parallel in der Wirtschaft, im Kulturbereich, als Autor und Dramaturg. Seit 2002 gehört er zum Leitungsteam des neuen schauspiels erfurt und produziert dort u.a. das jährlich stattfindende Shakespeare-Festival in der Erfurter Barfüßerruine. Seit 2003 ist Schmidt Geschäftsführer des Deutschen Nationaltheaters Weimar. Außerdem unterrichtet er am Studiengang Kulturmanagement der Hochschule für Musik Franz Liszt in Weimar und an der Universität Erfurt.

Der komödiantische, frische und freche Tonfall und die echte Spielfreude übertrugen sich auch auf das berühmte musikalische Pendant: die Fairy Queen, die Henry Purcell drei Jahre vor seinem Tode auf der Basis des Shakespeare-Stückes auf die Bühne brachte. Sechs der sieben Schauspiel-Akteure, dazu acht junge Sänger(-innen) und ein neunköpfiges Kammerensemble der Neuen Hofkapelle München präsentierten das, was sich im Original als vielstündiges Gesamtkunstwerk darstellt, als halbszenisches und wiederum ungemein suggestives Geschehen. Kurzweil war das und Gemütsergötzung im besten barocken Sinne, wie selbst der »musikorientierte« Teil des Publikums spätestens in dem Augenblick einsehen musste, da  der schottische Countertenor Christopher Robson als betrunkener Poet über die Bretter schleuderte und in den höchsten Tönen erklärte, dass er »blau« sei. Das Missverständnis, man dürfe im Opernhaus und Konzertsaal nicht lachen, löste sich endgültig im Nichts auf – wie am Ende der Streit zwischen Oberon und Titania.

So also begann an diesem Wochenende mit fünf ausverkauften Vorstellungen das Festival im Globe.

Die nächsten Veranstaltungen ...

Entsprechendes dürfen die Zuschauer für die nächsten vier Wochen erwarten. Weiter geht es mit Norbert Kentrup und der Historie von Heinrich VIII., einer absoluten Rarität, die seit gut 80 Jahren nicht mehr auf einer deutschen Bühne zu sehen war. Eine Fronleichnams-Matinee entführt ins chiaroscuro der melancholischen Lieder und Consort-Musiken, mit der das elisabethanische Zeitalter einer scheinbar verlorenen Schönheit nachtrauerte, indessen man die höchste musikalische Schönheit erlangte: In Darkness let me dwell haben die exzellente Gambistin Hille Perl und ihr Ensemble das kostbare Programm überschrieben.

Zur Halbzeit folgen die beiden diesjährigen Romeo und Julia-Inszenierungen: Die französische Compagnie Los Figaros, die 2008 mit ihrer »fast geglückten Zähmung« wahre Triumphe feierte, bringt uns die »berühmteste Liebesgeschichte aller Zeiten« als turbulentes und doch tragisch empfundenes Capriccio, bevor am 16. Juni ein junges Ensemble namens This Bridge Theatre aus Phoenix/Arizona sich vorstellt, wie in einem katholischen Jungen-Internat allmählich die Begeisterung für dieses Stück ausbricht.

Die London Globe Touring Company bringt die Comedy of Errors nach Neuss, die Watermill Propeller Company bietet im Doppelpack den Merchant of Venice und ihren überaus poetischen Midsummer Night's Dream. Die Two Gents Productions wird den Freunden des besonderen Theaters eine tatsächlich auf Zwei Herren aus Verona komprimierte Verwandlungskomödie vorsetzen – und das Potsdamer Poetenpack, das im Vorjahr mit einem großartigen Hamlet gastierte, beschließt den Reigen mit einer Verlorenen Liebesmüh, deren Titel, das steht schon nach dem ersten Wochenende fest, kein Omen und auch kein Fazit sein wird.

Weitere Informationen: www.shakespeare-festival.de

www.geisteswissenschaften.fu-berlin.de/v/shylock/index.html

Für die Bremer Shakespeare Company leitet sich die Definition des Volkstheaters in Analogie zur elisabethanischen Theaterpraxis aus Robert Weimanns Untersuchung Shakespeare und die Tradition des Volkstheaters (1967) ab. Nach der intensiven Beschäftigung mit diesem Kon­zept und der erfolgreichen Inszenierung des Othello am Rheinischen Landestheater Castrop-Rauxel trafen Chris Alexander und Rainer Iwersen den Entschluss, Weimanns Thesen als theoretische Basis für die Gründung und nachfolgende Spielpraxis der Bremer Shakespeare Company aufzunehmen.

Auf dieser Grundlage haben sich vielfältige Spielarten der nationalen und internationalen Zusammenarbeit ergeben, wie zum Beispiel die langjährige Kooperation mit dem Globe Theatre London oder dem Globe Theater in Neuss. Ferner ist daraus das Festival "Shake­speare & Companies I" (1993) entstanden, bei dem Theatergruppen aus vier Kontinenten zur Zusammenarbeit eingeladen wurden. Die Begegnungen mit den Künstlerinnen und Künstlern während des Festivals haben weit reichende Kooperationen sowie intensive Workshoparbei­ten hervorgebracht. Im Rahmen der Hongkong Tage in Bremen im Jahr 2001 veranstaltete die Bremer Shakespeare Company das zweite internationale Festival, "Shakespeare aus Asien", auf dem u.a. Aufführungen der "Annette Leday/Keli Company" (Frankreich/Indien) in Kooperation mit der Bremer Shakespeare Company gezeigt wurden.

Unter allen Klassikern der Weltliteratur gilt insbesondere William Shakespeare als Bühnen­autor, dessen Werke bis heute nichts an ihrer überzeitlichen Attraktivität eingebüßt haben. Gerade aufgrund der komplexen Repräsentation der politischen, historischen, humanistischen, kulturellen, sprachlichen und interkulturellen Wirklichkeiten lassen sich die Dramen Shakespeares in heterogenen soziohistorischen Kontexten aufführen. Seit ihrer Gründung fühlt sich die Bremer Shakespeare Company dem Volkstheaterkonzept sowie ver­schiedenartigen Traditionen des Welttheaters verpflichtet. In der Ausrichtung auf das Volkstheater Shakespeares verfügt die Company zweifellos über ein Alleinstellungsmerkmal in der deutschen Theaterlandschaft. Diese auch international beachtete Entwicklung ist Anlass für die geplante Publikation Zwischen Volkstheater und Welttheater: Die Bremer Shakespeare Company, die eine in der Bundesrepublik Deutschland einmalige Theatergeschichte mit Blick auf ihre theoretischen Facetten und praktischen Umsetzungen wissenschaftlich nachzeichnen möchte.

Zu den folgenden Kapiteln werden Beitragsvorschläge erbeten:

1.0 Einleitung

2.0 Shakespeare auf der deutschen Theaterbühne nach 1945

2.1 Shakespeare in der Bundesrepublik

2.2 Shakespeare in der Deutschen Demokratischen Republik

2.3 Shakespeare nach der Wende

3.0 Zwischen Volkstheater und Welttheater

4.0 Die Bremer Shakespeare Company: eine Theaterutopie?

4.1 Theoretischer Rahmen

4.2 Praktische Umsetzung

4.3 Die Bremer Shakespeare Company und ihre Übersetzungen

4.4 Die Bremer Shakespeare Company im internationalen Dialog

4.5. Der externe Blick auf die Bremer Shakespeare Company

4.6 Die Bremer Shakespeare Company und die Schule

4.7 Das Feuilleton

5.0 Entwicklungen von 2001 bis heute

6.0 Interviews mit ehemaligen und aktuellen Mitgliedern

6.1 Interviews

6.2 Round-Table-Gespräch

7.0 Ausblick: Shakespeare in Bremen und der Welt

Bitte schicken Sie Ihren Beitragsvorschlag (Arbeitstitel) bis zum 31.07.2009 an eine der folgenden Adressen:

Bitte melden Sie uns auch Ihre Shakespeare-Aufführung (webmaster(at)shakespeare-gesellschaft.de).

Aus den Kultusministerien und Lehrer-Fortbildungsinstituten u.a. in Sachsen, Thüringen, Brandenburg, Rheinland-Pfalz und Schleswig-Holstein wurde die formale Anerkennung noch einmal gesondert bestätigt.